Comforting Sounds

XX // The XX (2009)

2009-11-23T17:34:00.005-06:00

“Looking in from the dark

I walk out in stormy weather

Hold my words keep us together...”

Aquel que no derramó lagrimas jóvenes, que arroje la primera piedra. Aquel que celebró la adolescencia como los mejores años, que se vaya al diablo. The XX es un cuarteto (londinense, of course) de teenagers bizarros, quintaesencia de todos los novatos que la Gran Bretaña haya engendrado. Un montón de compactos bajo la cama, una tímida astucia y la pose anti-héroe cabreado son solo la superficie de una banda que sufre bien, sombrea y se agradece.

Romy, Oliver, Baria y Jamie, músicos por vocación, eran alienados por excelencia, de esos que se escondían al fondo del salón con mirada taciturna. Coincidir unos con otros y convertirse en los raritos del colegio que nadie queria en el recreo debe ser la anagnórisis de sus carreras, ejecutada con el modesto, críptico titulo The XX, impropio para una banda tan poco olvidable.

Tras algunos años de incipiente madurez, ocupando dos en la creación de su homónimo, la espera ha valido la pena: XX (2009) es la opera prima de la temporada, y probablemente la mas afortunada para cerrar esta década: arreglos de dream pop arenoso, bajos violáceos y percusiones minimas envueltas en un cuadro ochentero y personalísimo. Llamarlos sucesores de Jesus & Mary Chain suena precipitado, pero basta una oída a su sonido lugubre (sin ser gótico) y lacónico (sin ser folk) para reconocer en sus inquietantes melodias el halito heredado al sofisticado noise de aquellos, asi como los pasos patentados de un Ian Curtis que todavia no aburre y unos olvidados Young Marble Giants (remítanse a Kurt Cobain).

Teenagers ante todo, The XX escriben sobre el amor pueril y sus desdichas intimas; pero, a diferencia de los himnos juveniles en boga, se decantan por el desasosiego y el animo sexual, la incertidumbre del futuro y de si mismos. El acierto de poner a Romy y Oliver como vocalistas significa una brillante reinvención del tópico romántico; sin ser cantantes notables, sus monólogos de relaciones frustradas y sonrientes se antojan mucho mas sinceros y frescos de lo que pueda ofrecer cualquier solista; Romy con su tesitura afectada y british, Oliver mucho mas campirana y efectista.

Sobre bases pequeñas y episodicas, reposan canciones de escasa instrumentación, como si los drums y las guitarras temiesen romper la sofisticada armonía vocal. De puntillas, van tejiendo el comodo sopor de VCR, el onirismo de Fantasy, o el encanto fetichista de Basic Space y Heart Skipped A Beat. Asoma el Interpol mas cálido en Nigh Time, las greñas de Robert Smith en la gloriosa Infinity, y el llanto gentil en Stars.

Una generación desenfrenada, ligera, ebria de The Strokes, lentes de persiana y one hits veraniegos, desentendida de aquello que esconde la noche tras sus parpados, no necesita mas morreos. Los freaks del salón abrieron los ojos, y en la oscuridad, han adivinado las suficientes criaturas para firmar una obra tan misteriosa como fascinante.

tracklist:
Intro // VCR // Crystalised // Islands
Heart Skipped A Beat // Fantasy // Shelter
Basic Space //Infinity // Night Time // Stars

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Larga vida a Inglaterra, larga vida a los equis-equis. No podría empezar la década de mejor manera. Infinity, hermosa y decadente, para mi antologia personal. Basic Space, abajo como aperitivo.

Live it, freaks del mundo.

Weighing Souls With Sand // The Angelic Process (2007)

2009-11-11T13:37:00.010-06:00

[caratula 320 kbps 87 mb]

Si las animas hablaran, este seria su lenguaje.

Si dios existiera, este seria el murmullo de sus ultimas palabras.

Si Satan durmiese, este seria el disfraz de su silencio.

Asi reverberan los limites del universo.

Asi se escuchan los ángeles en éxtasis.

Asi fluye y corre la sangre en las venas.

El punto entre la vida y la muerte se escucha como

The Angelic Process...

Escuchar The Angelic Process es mascar las entrañas y el hueso hasta la esencia misma del hombre; es lanzarse a un vacío cuyo final es el principio mismo; es valsear bajo la lluvia con el cuerpo envuelto en llamas; es el paroxismo de la agonia y la quietud del renacer. Es flotar sobre la mierda y las nubes, despellejarte y, en un respiro, descubrir que no eres sino voz y mutis.

Almas gemelas engendraron este infrahumano proyecto de épica ejecución: Kris Angylus y MDragynfly eran de esos amantes cuyo Arte es sexo y redención, cuyo encuentro queda sellado para un destino irremediablemente trágico, mas no desprendido de una pasión que no encuentra lindes en su creatividad. Con el fin del milenio nace su único primogénito, una criatura avejentada que bebió de un shoegaze melodioso, doom crudo y trastocado, un ambient radical y las cenizas del noise mas desmedido. Sin proponérselo, The Angelic Process (nunca hubo titulo mas atinado) encabezaron la marcha por los terrenos áridos y cristalinos del creciente drone metal.

Destrozado por ortodoxos testarudos y venerado por los sedientos de genialidad insólita, plagado de ecos submarinos y guitarrazos guturales, el genero no tardó en ser estandarte de bandas como Earth o Nadja, y encontrando su cenit de popularidad en Sunn O))). De los pioneros, sin embargo, TAP son los injustamente relegados, como si la sinceridad de sus piezas no tuviese cabida en las bóvedas moribundas de sus contemporáneos...

Y es que el matrimonio de los Angelic significa, ante todo, emoción. Superados los cánones clásicos y dando por el culo a la deshumanización propia del genero, llevan una honda carga sentimental que ya quisiera Stephen O'Malley y sus formalidades técnicas. The Angelic Process retoma los principios básicos de la estética, y, mas alla de su propio concepto, escudriña el oleaje emocional del espectador, haciéndole participe de una dantesca visita a su tormento particular. No existe un minuto de su corta discografia en que, cual Anna Varney mas extrema, una tristeza pura ascienda en un grito ardiente.

Dos albumes de estudio y dos EPs cubrieron la breve trayectoria de Angylus y su amada, desembocando en el praxis de sus sueños/temores/fantasmas mas recónditos: Weighing Souls With Sand (2007) es celebrado como la maxima entrega de la banda, amen quizas del tormento intimo que finalmente arrancaria la vida a Kris, no sin antes dejar un testamento auditivo tan lucido como destructivo.

Lo que en sus primeras producciones se atisba a trozos aquí es una certeza: Angylus arroja a Kevin Shields, Black Sabbath y Merzbow en una caja negra, les permite agonizar, inhala y sopla sus cadáveres sobre una ventisca templada de metal indescifrable. Alli están los mecanismos de sus vagas influencias, engranajes ajustando al azar que, sorpresivamente, construyen un artefacto melódico y de una belleza prima e incomoda. Vocales diáfanas escapan al oído en un paisaje que parece concebido por El Bosco: insectos de bronce aletean programaciones misticas, leviatanes resoplando percusiones tribales. Imposible desasir unas de otras sus inexactas composiciones, imponentes y dulces como ninguna, estallidos histéricos que podrían pasar por una colección de crescendos que perforan el espíritu sin permitir escape a su atmosfera opresiva y chirriante.

Y alla donde veas, la pálida sombra de Angylus, derrotado cual Frankenstein por su propia creación. Porque Weighinug Souls... es el mas hondo y perfecto análisis a la psique humana en clave abstracta que haya escuchado. Porque Weighing Souls... conmueve como album y como requiem, como la proyección de un espíritu extraviado en la búsqueda de su Ego, esa ausencia de alfas y omegas que finalmente la muerte misma no logró resolver.

Un año después de que TAP se rebelara como la banda drone mas brutal y poética del mundo, Kris escapó de lo terrenal, una tarde de abril como cualquiera, dejando inconclusa una obra que merecia un lugar en la historia; otra de tantas muertes que pocos lloraron. Tal vez, en el infinitesimal punto entre la vida y la muerte, Kris Angylus leyó en el silencio del pulso su propio renacer. Tal vez finalmente descubrió aquello que, en los confines de un cuerpo que habla y escucha, apenas podia suponer.

tracklist:

01. The Promise Of Snakes

02. Million Year Summer

03. The Resonance Of Goodbye

04. We All Die Laughing

05. Dying In A-Minor

06. Weighing Souls With Sand

07. Mouvement - World Deafening Eclipse

08. Burning In The Undertow Of God

09. Mouvement - The Smoke Of Her Burning

10. How To Build A Time Machine

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Llora, grita y dejalo ser. Live it.

"tengo un arma apuntando a tus testículos..."

2009-11-10T22:12:00.008-06:00

Yess entra a una enorme tienda de discos. Tras su habitual tirada de mierda a los estrenos del mes (“no maaa... ¿otra compilación de Selena?”) se dirige a su Tori-búsqueda obligada. En el estante, solo una copia de From The Choirgirl Hotel (divino como siempre) y una sola copia de Boys For Pele. Yess pone cara de “que-me-jodan”, jugueteando con Choirgirl.... Se acerca un dependiente arquetipo nerd (con todo y bandita en la nariz y mirada de ninfómano).

DepNerd: “¿buscabas algo?”

Yess: “Sip, ¿tienes mas discos de Tori Amos?”

DepNerd: “¿quien?”

Yess: “Tori Amos.”

DepNerd: “...”

Yess: “To-ri-A-mos, la cantante.”

DepNerd: “...”

Yess: “es pianista, gringa...”

DepNerd: “...”

Yess: “¬¬!!”

DepNerd: “dejame buscar.”

DepNerd se retira a su compu. Yess con cara de hastío manosea una hermosa copia de The White Album. DepNerd regresa. Le quita Choirgirl... de las manos, lo manosea con expresión estupida. Yess se aferra a sus jeans soportando el ansia de morderlo.

DepNerd: “¿como se llama...?”

Yess: “WTF? Amos, TORI AMOS”

DepNerd: “si, si, ¿como se escribe?”

Yess (entre dientes): “##$%&/&$%:!...”

DepNerd se retira. Yess le hace britney-señal. Sigue echando mierda sobre discos de André Rieu. Un dependiente idéntico a Edward Norton pero mas seco se acerca. Yess calma sus multiples ansias.

Eward Norton: “esto... oye... ¿que crees? Son los únicos que tenemos.”

Yess (sarcástico): “nooo, ¿neta?”

Edward Norton: “neta, ¬¬, si no me crees, revisa tu mismo.”

Yess: "hijodeturep... ching... mam..."

Sin decidir si es broma o tratamiento de choque, Yess sale enfurruñado. Acto seguido, devora y solloza de felicidad con Inglorious Basterds, reafirmación de su amor a Tarantino y los diálogos punzantes y la mejor película esnob que haya visto...

(por cierto, Ximena Sariñana aparece en el soundtrack de New Moon...

¿donde esta Jules Winfield cuando se lo necesita?)

Dark Night Of The Soul // David Lynch, Danger Mouse... (2009)

2009-11-06T02:34:00.006-06:00

[letras | caratula | 320 kbps | 100 mb]

“Distant bell ring

But steps echo

No one on these streets

Callin' out your name...”

Aquel que no haya escuchado de David Lynch se ha perdido una vida plena en inquietudes y exenta de obviedades. Peor aun, aquel que conozca a David Lynch y sea indiferente, es ajeno a las leyes de la naturaleza mas siniestra y factible. Pocos artistas pueden dejar heridas perdurables, y solo el nativo de Montana puede enmarchar tal procesión de imágenes a taladrar las retinas comunes: fetos anfibios, rostros cercenados, conejos gigantes, hembras locas y sexuales, falsas giocondas Llorando forman el repertorio de cuerdas donde Lynch, cual titiritero, conduce tus movimientos cerebrales a su propia realidad, tan irresistible como enigmática.

Imaginar un album bajo su tutela, ergo, invita a carreteras gélidas, blues dolientes y ritmos cocteleros donde las balas perforan la sensatez. El resultado, empero, puede ser tan aterciopelado como sus extravagantes soundtracks, o de una pálida luminiscencia como el Wait For Me, de Moby. Por tanto, sorprende que Dark Night Of The Soul (2009) cumpla la regla, y a su vez, escape a los limites sensoriales del creador de Mulholland Drive.

Danger Mouse y Sparklehorse, cada uno en su propia senda (el uno, acompañado de Damon Albarn, Jay-Z y Beck, el segundo saltando de The Flaming Lips a Danny Elfman) bifurcan en un proyecto alzado a nivel de culto incluso antes de su aparición: un album bajo el concepto de un film de autor, con “visuals by David Lynch”, un libro para geeks y un catalogo de colaboradores envidiable no es cualquier cosa. Conflictos legales con EMI, escuchas gratuitas en la red y el sarcástico lanzamiento de un CD-R en blanco conforman la quintaesencia del underground que se niega a serlo.

Lejos de la formula In Rainbows (“caprichoso album anti-disquera distribuido en la bendición de la web”) que genera tantos adeptos como debates candorosos, la nova santísima trinidad encuentra en el peer-to-peer la culminación y beneplácito de sus intenciones, y se agradece. Porque Dark Night Of The Soul es una autentica joya, una insoportablemente hermosa pausa a la inmediatez sonora donde las Lady Gagas se reproducen como Gremlins y los genios deben bajar la cabeza.

Lei que este “es el album mas grande que jamas vera la luz”, y digo amen. En manos de Brian Burton y Mark Linkous, las pesadillas lynchescas adquieren matices de ensueño, trazados con maestria en un galimatias musical e improbable, onírico e imposible. Pero al cobijo de los durmientes Cronos y la lógica son muertos impacientes.

Wayne Coyne suena lluvioso en la balada Revenge, y Just War es tan atípicamente folk que Gruff Rhys enternece. En el umbral, Jason Lytle saluda casi indiferente, con una sonrisa irónica en Jaykub (quizas el himno anti-shoubiz del año). Julian Casablancas tiñe su cabellera garage con las pinceladas de un Dalí punk en Little Girl, y hay tiempo para que Black Francis beba un trago de Pixies, escupiendo un rock sagrado en Angel's Harp. Sin ceder un segundo de bits, Iggy Pop se luce como en sus buenos tiempos, y sufre con elegancia en Pain. El interludio es Star Eyes..., ni mas ni menos que Lynch, inhalando psych-rock y exhalando dream pop entrecortado.

Al segundo acto, Lytle seca sus lagrimas y se despide con sobria maestría, sollozando sin pudor en Everytime I'm With You. James Mercer se cuela con una cajita musical en Insane Lullaby, acercándose a lo ya experimental en un trance fantasmagórico y barroco. Daddy's Gone es un country árido y patriota a cargo del propio Linkous y la suavísima Ninna Person de The Cardigans. Suzanne Vega trata de hacer milagros con The Man Who Played God, trazando apenas un olvidable esbozo de Picasso. Grim Augury anuncia el final de la tormenta en las modulaciones de un Vic Chesnutt atmosférico, y la fria calma repta por Dark Night Of The Soul: Lynch, cual Mr. Roque, juega la carta mas negra del album, y deposita sus vocales nasales en una grabación avejentada y cabaretera, como escapada de su propia Lost Highway, un sórdido murmullo bajo las sabanas antes de abrir los ojos.

El instante imposible culmina, te revuelves inquieto, hambriento del sueño o la muerte, acaso, y sabes que no existen dejá vùs para los ausentes. En la noche, bajo la tímida luz tras la ventana, Lynch sonríe con malicia, sabiendo que, nuevamente, tienes las preguntas y el las respuestas.

tracklist:

01. Revenge (feat. The Flaming Lips)

02. Just War (feat. Gruff Rhys)

03. Jaykub (feat. Jason Lytle)

04. Little Girl (feat. Julian Casablancas)

05. Angel's Harp (feat. Black Francis)

06. Pain (feat. Iggy Pop)

07. Star Eyes (I Can't Catch It) (feat. David Lynch)

08. Everytime I'm With You (feat. Jason Lytle)

09. Insane Lullaby (feat. James Mercer)

10. Daddy's Gone (feat. Mark Linkous, Nina Persson)

11. The Man Who Played God (feat. Suzanne Vega)

12. Grim Augury (feat. Vic Chesnutt)

13. Dark Night Of The Soul (feat. David Lynch)

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Y pensar que hace unos años tachaba a Lynch de “anodino y complaciente”... Benditos sean Naomi Watts y Henry Spencer, madure lo bastante para escuchar Dark Night Of The Soul, y decir con todas sus letras que es PUTAMENTE GENIAL. Si nadie lo incluye en su top ten del 2009, me sentiré ofendido.

Va en serio: live it.

Fangoria no es nada...

2009-11-03T13:47:00.007-06:00

La curiosidad (vease Flash), el desasosiego, y mi ocio matutino,

me llevan a descubrir esto...

El titulo del disco, Richard Strauss y la viveza de su “coño”

hacen que esta mujer merezca un sitio en mi iPod... y mi corazón...

In This Light And On This Evening // Editors

2009-11-03T00:51:00.005-06:00

[2 CD | letras | caratula | 320 kbps | 130 mb]

“I swear to god, in this light and on this evening,

London's become, the most beautiful thing I've seen...”

Había una vez, bajo un cielo de deshilvanadas nubes donde no existia el sol, un chico de mirada silenciosa y carne desdichada, que arremetia a mano limpia sobre una existencia poliédrica e insuficiente. Al cierto unisono, un trio de principes inacabados vomitaban glamour apocalíptico sobre romances sofisticados. Al poco tiempo, cuatro siervos acariciaban la realeza en la negada madurez de sus vocales y la nobleza de sus guitarras.

Los cuentos debieran tener un final feliz, muerto el dragón, heridas las brujas y los besos de postal. Pero, bien ha dicho Lennon, la felicidad es un arma caliente, intempestiva. La felicidad no es el punto final de la historia, y los enunciados de la ultima pagina son un mar de suplicios. Asi, Ian Curtis muere entre los versos de Ceremony, Depeche Mode se convierte en una delicada sombra de si mismos, e Interpol sucumben al hartazgo de falsos imitadores y una desaprovechada sabiduría. Los tristes sobreviven, al fin y al cabo.

Editors es el principio del epilogo, quizas la letra capital de los restos humeantes de aquello que se insiste en llamar indie rock. Un cuarteto de Birmingham que coge los modos de sus obvísimas (e indispensables) influencias, agrega guitarras vagabundas y enérgicas, teclados europeizados, una voz tipica pero en plena madurez, y los pone al servicio de una puesta sucia, imperfecta y entregada.

Ya desde su primer placa, The Back Room (2004), se atisbaba ese avejentado sabor ochentero en paladares jóvenes con Joy Division a sus espaldas. La despreocupada faceta de músicos noveles, que engendraria monstruos como Munich o Fingers In The Factories, esculpía una tristeza suave, lluviosa, de esa cuyas lagrimas se ocultan en las sombras. El llanto sónico salpicaría An End As A Start (2007), quiza mayor a su estupendo debut. Despegándose de lo genérico, el nuevo album es pleno en instrumentaciones básicas, escondiendo cantos épicos que despegan desde el glorioso y caluroso Smoke Outside At The Hospital Doors. Alegorias religiosas, sufrimiento con clase y una soledad que ahora reverbera a plena luz, encontrando en The Racing Rats un inusual punto cumbre.

En esta evolución narrativa, no extraña que In This Light And This Evening (2009) explote en incontables direcciones, con numerosos niveles de lectura y un giro brutal a su sonido. Editors, retrasados felizmente en los ochenta, buscan en la electrónica mas sofisticada y fetish el escape a sus oscuras manias, vaciadas en un combo extrañamente colorido, adictivo y perfectamente dosificado. Ignoremos lo que diga Pitchfork Media (que si no es Radiohead, no es nada): Editors sabe lo que hace, y lo que no ha de hacer... también lo hace.

Mas cercanos a la tradición del Depeche Mode clásico o The Cure mas terrible, la banda se atreve a desafiar sus propios preceptos, contagiados por esa reciente necedad de frescura techno-rockera. El resultado, sin embargo, guarda mayor similitud a Primary Colours (The Horrors, 2009), que al inexplicable sarcasmo de Tonight (Franz Ferdinand, 2009). Del post-punk que los vio nacer solo quedan las intenciones: es el synthpop en el que empapan su natural ingenio para la emotividad descargada. Uniéndose a la ola de prodigios que coquetean con la Alemania mas amable, esa de Kraftwerk o los brutales Einstürzende Neubauten, rozan las fronteras del krautrock, reemplazando sus guitarras patentadas por sintes elaborados.

Chris Urbanowicz se despliega cual Bach en su órgano, sobre un lienzo cuyas pinceladas indie se licuan con una melancolia cadenciosa. Firma sus interpretaciones mas graves y personales, patentadas en el track de obertura, In This Light..., ascendente flirteo de bajos nerviosos y beats urbanos y alarmantes, mi personal favorito en toda la carrera de la banda. Pero es Tom, con esa inigualable teatralidad que ya le envidiaría Paul Banks, quien se pasea en su ciudad privada de extrañas callejuelas vocales; del frenesi popero de Papillon a ese claroscuro rabioso en You Don't Know Love; del languido lamento en The Big Exit al sintético infarto en Eat Raw Meat = Blood Drool. En su colección de bonus tracks, Cutting II, ha de ataviarse con This House Is Full Of Noise (pianístico y durísimo), My Life Is A Ghost y sus pasajes industriales, o con la marcialidad graciosa de For The Money.

No es, ni en broma, un album sencillo. Aquellos que usan playeras irónicas y consideran Is This It (2001) el disco del siglo, le tacharían de incomprensible y ridículo, y los melómanos complacientes anti-New Age le recibirán con brazos abiertos. De cualquier forma, Editors no deja indiferente. La tristeza nació para ser propiedad privada de los genios y los locos, y la toxina de los extraños. La tristeza, en cualquier caso, es inherente a cualquier lector, por sonrientes que sean las palabras.

tracklist In This Light...:

01. In This Light And On This Evening

02. Bricks And Mortar

03. Papillon

04. You Don't Know Love

05. The Big Exit

06. The Boxer

07. Like Treasure

08. Eat Raw Meat = Blood Drool

09. Walk The Fleet Road

tracklist Cuttings II:

01. This House Is Full Of Noise

02. I Want A Forest

03. My Life As A Ghost

04. Human

05. For The Money

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Mi gusto inevitable de la temporada. Ah, como se goza el indie cuando no es indie, la electrónica cuando es mamona y plena en genialidad. Quieras o no, es un candy-ear para cualquiera. Tal vez no sea el único que arme slam con Papillon... ¡Y que Pitchfork se trague sus palabras! Live it.

(debe ser Superman... a las dos cuadras, me daba un infarto...)

Tratamiento Ludovico (MTV from hell...)

2009-11-02T00:33:00.010-06:00

Es esta la noche de muertos, damas y caballeros, el post-halloween. Mientras escribo esto, los espíritus y las animas de Centroamérica deambulan entre sus viejos aposentos. Ahora bien, si te ubicas en Norteamérica, desde la noche anterior debiste cerrar con candado todas tus puertas, coger una sierra eléctrica y hacer de Sarah Connor al mas efímero zumbido de la cafetera. Es la noche de tots-sants, y nuestra vida de pecado y libertinaje podría desatar los mas íntimos horrores del infierno...

Pero el infierno esta aquí (of course, Sartré), y sus horrores pueden materializarse de variopintas maneras. Ora materializarse en cuatro jinetes, ora en presidentes sin carisma, ora trabajos audiovisuales que escaparan de la mente tras una intensa terapia que dejaría a Freud como un aficionado de telenovela.

He aquí mi primer top-ten, 10 videos escalofriantes, perturbadores, de los mas inquietantes que una pantalla ha debido soportar; de esos que superan el límite de la percepción. No, no son los mejores, ni los peores (pfff), sino aquellos que atacan el subconsciente, la medula de nuestros temores mas profundos...

Flash // La Prohibida

¿Arte vanguardista? ¿Psicodélia pinkfloydiana? ¿Homenaje a Tron? La señorita (?) a cuadro podría considerarse igual una performancera izquierdista-experimental que una muy-venida-a-menos villana fugada de Arkham Avenue. Y al parecer, sus fechorías no han terminado...

Just Can't Get Enough // Depeche Mode

Los reyes también lloran. Los coristas relegados de ABBA danzan graciosamente al ritmo de una de las canciones mas bajas de los maestros del synthpop. Mediocre pieza de producción dirigida por Clive Richardson (genio realizador de esa otra joya, Mad World, de Tears for Tears) donde el peinado de Martin Gore es el único e irreemplazable protagonista.

Hooked On A Feeling // David Hasselhoff

Baywatch version road-trip. Hasselhoff presume su resistencia al ridículo, sus habilidades acrobaticas y sus dotes cantoras sobrevolando fotogramas dignos de un comercial de aerolínea. Adereza tal falacia con un cover que ya le envidiaría Sarah Brightman y efectos especiales que avergonzarían a George Meliés. Dios vio este video, y al termino, le dio a Nietzche la razón.

Fuck Off Or Die // Fitts For Fight

Muchos coinciden al nombrarlo el peor videoclip jamas realizado. Yo le daria un voto de confianza por su firme mensaje de liberación feminista, sus atrevidas protagonistas capaces de codearse con la mas decadente Cyndi Lauper, y el soberbio trabajo de animación en rededor de Pacman. El tipo de mirada suplicante vale los 3 minutos de tortura orwelliana

The Libertine // Patrick Wolf

¿Que vale mas, la promoción o el arte? Según Patrick Wolf, el destape. Tras la gloria alcanzada con el fantástico album Wind In The Wires, esta genialidad lo devuelve a un infierno de drag-queens, botas altas y toques de Queer As Folk desganado. Como bonus, el odioso Hard Times, con Patrick ataviado a lo Cruela DeVil dándose los modos de un Bowie en bancarrota.

Church Of No Return // Christian Death

Los herederos de Rozz Williams se adelantan a su época en un videoclip de impecable manufactura, melenas psychobilly y Cristo malote incluidos. El malogrado e insípido tono gótico es la cereza de un pútrido pastel que se desmorona a cada chillido de su andrógina vocalista. Provocadores donde se vean, Pasolini quedaria reducidos ante semejante... sea lo que sea.

Simple Man // Klaus Nomi

A nadie podría doler esta mención tanto como a mi. Uno de los grandes temazos del buen Nomi cede a una coreografia bien cuidada (con interpretes tan graciles como palomas en vuelo), una fotografia exquisita y esa mitológica escena, con Klaus levitando sobre sus atónitos invitados, obra y gracia de algunas dosis de azúcar sin refinar. Bendito sea, es un poco underground....

Vuela, Vuela // Magneto

Predecesores de N'Sync, BackStreet Boys y toda la ola closetera pop. Si la version en vivo es capaz de despertar las mas bajas pasiones (entiendas instinto homicida), el video oficial solo podría arrastrar al magnicidio. Me atrevo a afirmar que el coreografo fue un suicida potencial, y que la francesita Desireless deseó no haber venido al mundo. Aplausos al vestuarista, el maquillista, y aquel que les fijó al rostro la carita cumshotera.

Feuer // Lacrimosa

Uno de los episodios mas potentes de Tilo Wolff nos hizo recuperar la fe en sus palabras. Craso error. Con tres años de producción detrás, el videoclip resulto tan emocionante como un excremento de plastico en la carretera. Animación de cuarta, edición digna de Telehit y una pretenciosa pseudo-trama bastaron para convertirlo en una de las catástrofes del año.

Californian Girls // David Lee Roth

Los desechos de Van Halen en perfecta comunión con la vergüenza ajena. Roth se atavia como granjero, salvavidas, y demás personajes rechazados de Village People en una paradisíaca playa llena de dunas y tetas. Cual video porno de inferior categoria, abundan las rubias, el mal gusto y los idiotas. Si hay algo llamado amor, nunca hemos de apreciarlo en televisión abierta.

Resta decir que no hay ningún orden concreto. Como diria Arjona, la mierda huele igual. También he excluido las canciones de esta pequeña masacre, puesto que la mitad de los infames que aquí aparecen merecen todo mi respeto como artistas. El presente post fue patrocinado por mi sensei Open_Mind, sin cuyo enciclopédico conocimiento de las bazofias virtuales mi trabajo no seria posible. ¡Sos un groso!

Pronto, mi top-ten con los mejores videos jamás realizados. Este crimen no puede quedar impune... Siéntanse libres de maldecir, felicitar, blasfemar y añadir todos los horrores que deseen. ¡Y feliz semana de muertos! Cuidaos en la ducha... ¿o que no recuerdan It?

Midwinter Graces // Tori Amos

2009-10-23T21:51:00.007-05:00

[letras | caratula HD | 320 kbps | 123 mb]

"Long ago the earth lay sleeping

Waiting for the darkest night

To bring with it the dove of peace

Rising on the wings."

Todos lo sabemos, sin siquiera pronunciarlo: la Navidad es todo menos frivolidades mercantilistas, Santa Clauses en la ventana y sexo bendecido con muérdago cubiertos con esperanzas infantiles. Cada quien acepta deliberadamente que, contrario a lo que tengamos que hacernos tragar, la Nochebuena no es el enaltecimiento de los espíritus, ni la reafirmación de nuestra hermandad, ni los buenos deseos en tarjetas de ocasión. Los tie-ín con X-MAS tatuado se transforman en el Santo Grial de la población economicamente activa, y en el sueño húmedo de los Oliver Twists del mundo.

Hace ya un año, cuando Sarah Brightman lanzaba su aceptable y empalagoso A Winter Symphony (2008), su pagina web proclamaba “todo gran artista ha lanzado un disco navideño en su carrera”. Inevitablemente, me inquietaron preguntas escalofriantes. ¿Peter Murphy guardaria demos de su cover a Jingle Bells? ¿Slash escupió alguna vez guitarrazos a ritmo de Silent Night? ¿Björk, con su digna resistencia al ridículo, se habrá puesto en las narices de Rodolfo El Reno? ¿Existira acaso una opera rock donde Roger Waters haga de un Papa Noel cocainomano?

Seamos honestos: a excepción de Bob Dylan, Motown y Alvin And The Chipmunks (porque debe ser difícil ser roedor y soportar a las disqueras), nadie en pleno uso de sus facultades mentales lanza un disco navideño. Pero, todos lo sabemos, es Navidad. El único momento del año para pecar cual sodomitas con la excusa mas ridícula que pueda decirse por 365 dias.

Desde luego, Tori Amos no es ni por asomo una persona normal. La astucia inteligente, una voz tan dulce como desgarradora, piernas abiertas y letras sobre leopardos, dioses insuficientes y lesbianas bastan para alzarte unos centímetros sobre el sucio mundo terrenal. Concesiones aparte al considerarla la mejor artista sobre la tierra, no pude evitar un tremulo estremecimiento al leer que Midwinter Graces (2009), su onceavo album de estudio, seria una compilación de sus villancicos favoritos. ¿En verdad basta la nostalgia de su juventud en la iglesia de su padre como excusa para lanzar un album que pide a gritos una partícula de atención?

Su anterior obra, el ligero y digerible Abnormally Attracted To Sin (2009) no consiguió el éxito esperado, y nuevamente, las voces del orbe se alzaron anunciando una probable muerte artística. Visionar a Amos entre nieve y panderetas no es siquiera la sombra de un fénix entre las cenizas. Afortunadamente, Tori, la logica y yo nos equivocamos, y el resultado es, a lo menos, espectacular.

Midwinter Graces es el mejor disco “navideño” que haya escuchado. Facilmente podría caer en los sitios comunes, pero el gran acierto es su auto-negación: nunca pretende ser navideño. En medio del frio invernal, los villancicos deberían tener un gusto a chocolate y tibias chimeneas. Tori se ha sacudido los prototipos de una cultura clasicista, varias cadenas de corcheas, y entrega un viaje de tintes épicos, trágicos e ilusorios, propio de sus mejores piezas, a ratos escrito con sangre santa, a ratos con una delicada caligrafia donde el invierno es paradoja de la muerte, los amores fragiles, y el ultimo pestañeo antes de dormir.

Ya desde la soñadora What Child, Nowell, su piano se desplaza con gracia desde Israel a los bosques irlandeses, cediendo aquí y alla ante un clavecín dramático, violines célticos y percusiones atrevidas que remiten a los tiempos de Boys For Pele (1996). Sobre la falsa nieve, Tori sopla aires medievales en la poetica Candle, o la rescatable Jeanette, Isabella; la Myra Ellen de siempre emborrona sus propias huellas en en Star Of Wonder o Harps Of Gold (inolvidables sus torpes “Gloria in excelsis Deo” a ritmo de rock); una tiernísima pasión en Snow Angel, o ese abrupto artificio big-band en Pink And Glitter.

Pero, al igual que el tercio inicial de American Doll Posse (2007), es la triada final de canciones la que dicta un epilogo tan majestuoso como emocionante. En las lineas de la elemental Emmanuel se adivina esa fuerza musical que deja a sus genéricos competidores como aficionados, una nostalgia victoriana que sabe a gloria, una gloria que congela. Winter's Carol: gélida, impactante y gótica. Una reina de la oscuridad, danzante, expira sus secretos sobre en de las mejores composiciones de Amos en años. El punto fuerte de Midwinter..., un climax catártico que arranca el aliento, devuelto en un beso con Our New Year, creación primaria donde la esperanza y el porvenir emergen por si solas. Tori convierte los segundos finales de su nueva obra maestra en un helado mar de emociones, haciendo atemporal lo temporal, lo exacto en el goce de lo inexacto, de la incertidumbre...

...¿Y si nos cediéramos un respiro? ¿Y si en vez de Nochebuena, ajeno a toda categoria, quemamos el árbol y buscamos ángeles entre las llamas? ¿Y si, en vez de ese juego de mentiras envuelto en papel celofán de 24 horas, nos regaláramos un saludo eterno? Midwinter Graces no tiene las respuestas, pero si un eco que ningún Adeste Fidellis monocromático puede superar. Porque es Navidad, y todo se perdona.

tracklist:

01. What Child, Nowell

02. Star Of Wonder

03. A Silent Night With You

04. Candle : Coventry Carol

05. Holly, Ivy And Rose [feat. Tash Amos]

06. Harps Of Gold

07. Snow Angel

08. Jeanette, Isabella

09. Pink And Glitter

10. Emmanuel

11. Winter's Carol

12. Our New Year

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Primer blog en castellano (creo) en hacer una subida en toda regla. Buscar las líricas fue mortal, esperar por el album peor. Pero fui recompensado con Winter's Carol, la hostia de cualquier santo. El 11 de noviembre es el lanzamiento oficial...

Es Tori Amos, damas y caballeros.

Mi madre, maestra y majestad.

Live it.

The Big Machine // Émilie Simon

2009-10-19T01:23:00.006-05:00

[ letras | caratula | 320 kbps | 90 mb ]

"And the sky's burning down once again

The sky is a flame and you're not the same"

Francia no seria nada sin sus voces. Esas que devoran el alma de generaciones con sus dientes de soprano y sus trinos legendarios. No hay ser vivo que falte a su cita con París al escuchar a Edith Piaf. Cualquier recatado puede sentirse ofendido con un cavernoso Serge Gainsbourg y sus masturbaciones auditivas. La injustamente olvidada Frehél emergió de un mar de lagrimas para ahogar a Ámelie, y Sinatra ardió en las vocales de Charles Aznavour. Siendo realistas, y sin ser idealistas, no hay nada mas francés que la Música, no hay nada mas musical que las mujeres francesas, y no hay nada mejor que una mujer francesa, excéntrica y con hilachos de electrónica en su atuendo de demodé.

Émilie Simon es eso y mas. Es francesa, fémina y ama la electrónica. Pero algo mas... Quizás en su propuesta contenida, suave y acaramelada escondiendo sombras de extraños vertices, quizas en su voz infantil, suave y tipicamente gala que se antoja como un arrullo, quizas en sus historias de amores homicidas, flores vivientes y una comoda tristeza. Quizas en su decidida intención de convertir los sintetizadores y las variaciones MIDI en la chanson del futuro, sin desprenderse de un clasicismo exuberante y europeo.

Con 31 años cumplidos, algunos tantos como multinstrumentista, y seis de prolífica carrera, Émilie es de esas artistas que no dejan indiferente, de esas que renacen cuando se les antoja, que renacen en cada escucha, que te cogen de la mano por caminos donde la luz y la oscuridad se debaten la mirada. Tras la corriente de rockeras eventuales y despechadas, Émilie se permite susurrar y corroer cuando le entre en gana, convertirse igual en hada que en súcubo, pinchando, cantando y haciendo de su trabajo un goce personal y humano.

Desde su homónimo Émilie Simon (2003) quedó firmado su particular estilo: viajes melódicos a traves de paisajes dolorosos y atrevidos, un trip-hop nebuloso entre instrumentaciones graciosas, experimentos aprendidos de Björk y Tricky, refrescantes oleadas de un pop mas barroco a lo Arcade Fire, las atmosferas mas etéreas del synthpop tradicional. Un sonido heredado de la chanson francesa con la bendición de las nuevas tecnologias. Désert, Il Pleut, Chanson De Toile y el sensual cover a I Wanna Be Your Dog levantaron las cejas y aplausos de sus atónitos oyentes.

En sus liricas, personales y amables, se asomaba la medula de Végétal (2006), album que borra la linea entre concepto y ejecución. Tras el injustamente ignorado soundtrack de La Marche de l'Empereur, Émilie rebusca en su bagaje sus sueños favoritos, y conforma un trabajo donde explora el mundo floral, cantando a coro con plantas que prestan sus voces incoherentes, entre loops rítmicos, campanas y fragmentos de cristal, a un trabajo magnifico. Se antoja al Vespertine de Björk sin esa angustia glacial, a un libro entre cuyas hojas se asoman pétalos marchitos, con sed de vivir para un cuento más.

Como si sacara de si ese animo viajero, Émilie cruzó un oceano hasta New York, donde, en sus propias palabras “empece a soñar en ingles”. Así, la genesis de The Big Machine (2009) era inevitable, desprendiéndose de un acento, un destino insondable y su amada Francia. Y de paso, girando en redondo a un estilo mucho mas puro, exacto y factible. The Big Machine se despide del downtempo suave, acogiendo un electropop excesivo, colorido y repleto de matices. Emilie se maquilla de Goldfrapp, y se acerca descarada y peligrosamente a Kate Bush. Y es que, desde el primer corte, Emilie no suena sino exactamente idéntica a la Bush, a esa bella criatura que entonara Wuthering Heights. Pero a diferencia de la británica, la francesas no esta interesada en reflexiones filosóficas y retorcidas. El jugueteo en The Big Machine es un placer que Simon acepta gustosa, llenando de una misteriosa energia su sonido sintético y elaborado.

Sorprendida y abrumada ante una nación que corrompe en sus inagotables modos, influenciada por la radical innovación artística de Laurie Anderson, Emilie mira el lado amable, y en sus letras se refleja su insaciable curiosidad, sus ojos en constante sorpresa, videando barrios, nombres, personas y personajes. Como su nombre dicta, una enorme maquina donde cada engranaje es ajustado para conformar un mecanismo lúdico y bailable, lleno de grooves y tintineos, canciones donde la constante es el descubrimiento, la exploración y los desafios; agregando al combo trompetas, cellos, y logrados pianos de juguete.

Simon alcanza octavas excitantes en la bizarra Dreamland, presume una de sus facetas mas oscuras con Chinatown, salta a un juego de niños con Rocket To The Moon, y, lanza un suspiro primitivo con The Cycle, y en la selvatica This Is Your World lanza una feliz e ilusionada sentencia, convirtiéndose en la mas bella pieza de la que Francia puede enorgullecerse.

tracklist:

01. Rainbow

02. Dreamland

03. Nothing To Do With You

04. Chinatown

05. Ballad Of The Big Machine

06. The Cycle

07. Closer

08. The Devil At My Door

09. Rocket To The Moon

10. Fools Like Us

11. The Way I See You

12. This Is Your World

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Un candy ear como pocos. Hace un par de dias extrañaba a Émilie. Hoy, Emilie ocupa su lugar como la artistas pop que todas esas estrellas de quince minutos deberían envidiar. Rocket To The Moon, directo a mi playlist de gomitas y chocolates. Dreamland, en video, para sonrojar a Max Ernst. Live it.

Roll With The Wind , Funny Little World // Alexander Rybak

2009-10-18T18:45:00.010-05:00

Mi tímida admiración a Alexander Rybak (igual que muchos otros desubicados) se antepone a su pose cuestionable. Envidio la naturalidad de su violin. Aprecio su genuina inocencia ante una industria voraz depredadora. Caigo a sus pies en su mezcla de folk, pop y cuantas cosillas luminosas le atraviesen por la cabeza.

Ahora, su pose cuestionable... Siendo guapo, no puede despegarse de su cara cumshotera y sus movimentos que le dejarían a Anna-Varney el ojo cuadrado. En cada aparición publica parece haber esnifado azúcar para llenarse de una alegria psicótica que Willy Wonka envidiaría. Su imagen esta tan ensayada que nunca se desprende del chaleco negro, polera blanca y la expresión de cachorro solitario. No hace falta detestar el mundo con todas sus letras, ponerte disfraz de emo y arremeter a la vida con cuerdas, como Wolf, pero esa felicidad rayana en lo infantil no es tan saludable.

Ya en este post me referia a su debut, Fairytales, como un disco genuino, salpicado del necesario espíritu Eurovision del que nunca podrá despegarse (hola, Celine Dion...). El videoclip de su exitosísimo (y... adorable) Fairytale es la perfecta muestra de los limites de la vergüenza ajena. Un video mediocre, casi de humor negro, mero escaparate para una canción que lo deja como trailer de serie Z. Bendito sea, todos tenemos una segunda oportunidad. Superada la euforia tántrica de su éxito en televisión, Alexander parece tomar las cosas con calma, realizando los videoclips para su siguientes sencillos...

Roll In The Wind, dirigido por Bård Røssevold, supera considerablemente a la basura en Fairytale, incluso a nivel lirico con textos mas inteligentes y sobrios... sin embargo, cae en los sitios comunes, luciendo mas como promo turistico de Noruega para una aerolinea o anticlimático final a lo Nancy Meyers. Aun asi, el aire juguetón e improvisado que suspiran sus canciones impregna cada fotograma, y en un acto de dios, se cambia los jeans por una vez en su trayectoria.

Funny Little World, realizado por la compañía Ligistfilm, es una pequeña joyita que no debería pasar por alto. Si bien desde el primer segundo parece remake de Sweetest Thing, de U2, la influencia estética de Michel Gondry, con sus dejos artesanales, suma puntos a un trabajo equivalente a una caja de chocolates. Rybak en un solo encuadre ,echa flores a la vida y suelta toneladas de miel recorriendo campos, caminos y calles tan preciosistas que dejarían a Oz como un paseo de cuarta.

Funny Little World me alegró un dia helado.

Si subo a Émilie Simon al rato, cumpliré mi buena acción del dia. Live it.

nuevas relíquias...

2009-10-17T02:09:00.009-05:00

Hacer arreglos desde cero a un blog, levantarme el autoestima, bajármela por culpa de un jodido violin checo y salvar a la porrista es demasiado extenuante para un solo ser humano de amorfa capacidad intelectual. Agreguemos la ausencia de mi bienamada computadora durante su iluminación espiritual, reemplazada por un televisor de 16 pulgadas donde me deshice las ultimas neuronas con insanas dosis de Nickelodeon... Ni Odiseo la tuvo tan difícil.

Apenas recupere los estragos de mi alma (chupame esta, Manzanero), busque los últimos albumes que habían llegado al mundo sin la aprobación de este humilde servidor. Ahora bien... mi aprobación no es necesaria para hacerlos estupendos albumes, pero si para lanzarles unos cuantos jitomates...

Primero llegó la dulcísima Émilie Simon, esa francesa de voz juguetona y beats encantadores que, desde la ciudad del Amor, sonaba a Jane Birkin adolescente-en-ácidos. Dos albumes y un soundtrack después, recibimos The Big Machine (2009), pomposo titulo para una grabación que sorprende en su transición del francés al ingles, de un trip-hop delicado a un descaradísimo electropop, ergo, en un detalle que quizas solo a mi podria importarme...

La voz de Simon no es semejante, ni cercana, sino aterradoramente idéntica a la de Kate Bush. En algún momento me sentia escuchando The Kick Inside versión Studio 54. ¿Donde quedó esa característica y tipicamente gala tesitura? Solo Nous sabe, quizas en el mismo sitio donde Émilie dejó esa intimidad surrealista para acogerse a la grandilocuencia de las maquinas de ritmo. A veces es mejor quedarse en tus casillas que arriesgarte. Con joyitas como Dreamland o la divertida Rocket To The Moon, The Big Machine supera la prueba, pero extrañó con todas sus letras y flores a la Émilie romanticista y fresca.

Rammstein no se queda atrás. Liebe Ist Für Alle Da (2009) proclama su nueva placa, y yo pienso que el amor se lo guardaron en sus portes pseudo-anarquistas. El amor se terminó con el inmejorable Mutter (2001), el ultimo amasijo de caricias que los alemanes cedieron a sus admiradores. Desde entonces, ninguno de sus albumes ha pasado de ser una generosa escucha, y por el contrario, se convierte en neto copy and paste de lo que alguna vez fueran los señores del tanz metal.

Liebe Ist... no es la excepción, y ya desde los primeros acordes se adivina al mismo y repetitivo Rammstein: al dedillo se auto-plagian los riffs, los coros decorativos, las polemicas forzadas (¿sexo explicito en Pussy? ¿canibalismo en la portada? ¿alguien dijo death metal?). No, no es un mal disco, en realidad es un gozoso lanza-melenas que le patea el culo a cualquiera, pero... que tiempos aquellos cuando el BDSM y la polemica eran un secundario, cuando, antes que los discos de platino, estaban temazos como Du Hast o Sonne, cuando Apocalyptica les hacia de teloneros y Gottfried Helnwein la estética. Solo un tema rebasa las expectativas: Fruhling In Paris, con su relativa carga armónica, y en la linea de un Seeman, es una lección a esos metaleros que entienden dulzura por obscenidad.

En el polo opuesto a la torpe innovación o los reciclados de B-sides, Editors asoma In This Light And This Evening (2009). Y, antes que nada, decir que probablemente yo sea de los pocos seres vivos que defienda este disco. Si, me ha encantado. Contrario a lo que he leído en los foros, el sustancial giro a su sonido ha caído como una bendición a una banda sedienta de renovarse tras dos previos y gloriosos albumes. Si, es synth-rock. Si, parece Joy Division elemental y R.E.M. fantasioso. Si, tiene tanto de fashion como escaso de indie. Pero me ha encantado. De esos albumes que no me saco de la cabeza durante meses, y al escuchar un track, me siento profano al no escucharlo completo. Un disfrutable pastiche de sintes y ritmos old-school, algo asi como el Tonight de Franz Ferdinand sin tantos delirios de grandeza.

La canción homónima, In This Light..., se abre paso con la misma fuerza de aire épico que sus similes oberturas (¿o sere el único que alcanza un orgasmo inconsciente con ...At The Hospital Doors?) Tom Smith se escucha tan vivo como siempre, los platos de de Lay sensuales como nunca, Urbanowicz en sus teclados cual Prospero rockero. Sea acaso que adoro la electrónica, sea acaso que estoy harto del indie rock soso, adolescente y desenfadado, como si hacer Música fuese un hobbie y no un proceso vital. Editors se sacude etiquetas y parece 5 años mas joven, y de no ser por un par de baladas absurdas, In This Light... seria la proeza fresh del año.

Montados en la nueva ola post-punk, Black Poets son los guapos novatos ingleses que depositan en Innocents And Thieves (2009) una fastuosa amalgama de Interpol, Ian Curtis y filosofia light. Facilmente podría tratarse del album-prototipo de unos veteranos, sin perder esa esencia y pureza digna de cualquier debut, ya no digamos esa portada emocionante y merecedora de cualquier elogio antes de poner [play].

El vocalista Gerard Lecain es demasiado “quiero-ser-Paul-Banks”, las guitarras suenan a The Cure-anti-gótico, y sus atmosferas tienen un aroma agridulce a Unknown Pleasures. Y en cualquier caso, se las ingenian para escucharse inteligentes y novísimos. Alli esta la herencia punk, el rudimentario toque neoyorquino, los versos difuminados que todos conocemos. Los métodos son los mismos, pero los ejecutantes han cambiado. El primer single, Mistakes, podría pasar por clásico ochentero, y en otras paradas, como Amnesty y You Fade Away se respira esa emoción pre-lacrimógena que todos deberían abusar. Black Poets es un cuarteto de virtuosos chapados a la antigua que se niegan a envejecer en 79 minutos.

Los albumes, aquí en Comforting Sounds, este finde (si Skynet asi lo desea). He dicho. Live it.

Third // Portishead

2009-10-15T20:38:00.005-05:00

[letras | caratula | booklet | 320 kbps | 116 mb]

"I saw a savior

A savior come my way

I thought I'd see it

In the cold light of day"

Hablar de Arte es hablar de creación y destrucción a proporciones inversamente semejantes, de genialidad sufrida y mediocridad aplaudible. Hablar de Música es hablar de un largo y tortuoso camino que desemboca en ocio cotidiano dentro de una nube de alcohol y toxina, una corona de espinas hecha de vinilos y Eleonor Rigbys que dios no logro deshacer. Hablar de trip-hop es hablar de un genero controversial, amado, odiado, reverenciado y menoscabado.

Hablar de Portishead es hablar de Arte por el Arte, de Música por Música, de acción y reacción en una triada de renacentistas nacidos en el grisáceo Bristol en los 90s. Es hablar de un proyecto efimero y legendario que ha costado sangre y lagrimas, de un culto sistematico vertido en los oidos de una decada imposible y sangrienta, de una breve trayectoria que significa el ultimo parteaguas en la Música posmoderna.

En Portishead se unen lo experimental y lo old-fashioned, los ritmos selváticos con el jazz de antaño, las vibraciones industriales con los soplos electroacústicos, la voz sangrante sobre un hueco escenario engalanado con todos los placeres y pecados que un artista digno de serlo nunca se ha permitido. Los polvorientos teclados de un maduro y sabio Geoff Barrow, los beats de un joven y silencioso Adrien Utley, y la enigmática, huraña presencia de Beth Gibbons. Una elaborada, brechtiana puesta en escena que no soportaría la magnitud de sus propios golpes.

Viendo la luz en un atípico cortometraje donde se las daban de histriones, To Kill A Dead Man, a ritmo lento pero seguro dieron sus primeros pasos con Dummy (1994). Insólito, insolente e innovador. Hip-hop lacónico con alientos épicos que entraba en un oído para no salir jamás. De escucha amigable y fuerza inolvidable, dejaría a la posteridad el bíblico Wandering Star, el crudelísimo blues Glory Box y una naciente linea de fanáticos estrictos.

Gateando y balbuceando, llegaron a Portishead (1997), Poco tenia que ver el grandilocuente aire de big-band electrónica con las atmosferas drone de Massive Attack, proyecto con que el acusado trip-hop les involucraba. Beth transitó con gracia natural de los acid scratchs ingleses al flamante y neoyorquino cabaret que marcó punto y aparte con All Mine, y agregó un aterciopelado paréntesis con Only You. El trio fue recibido a la derecha de dios en asientos de primera, pero dios les mostró los dientes.

Los grandes no duran mucho, mandamiento irrefutable: Bauhaus, Joy Division, Nirvana... Ni siquiera The Beatles soportaron su gloria y egos mas de una década. Sea acaso que las mentes brillantes son polos idénticos que, dolorosamente, se repelen. Portishead no escapa a la condena: dos albumes en solo cuatro años antes de evaporarse de la faz terrestre, mas allá de las sombras que ellos mismos edificaron. La aparición del innecesario (mas estupendo) Roseland NYC (1998) significó el coma inicial que, por mas de diez años, contuvo el aliento de los ingleses, asomando episodicamente en recopilación o en proyectitos memorables que no se superaron a si mismos.

Se ha dicho que la tercera es la vencida... Third (2008) sera recordado quizas como uno de los retornos mas perfectos y misericordes jamas escuchados. Lo que meses atrás parecia un neto rumor volcado en extrañas y punzantes canciones desembarcó en 11 tracks, ni mas, ni menos, de una manufactura tan precisa, tan escrupulosa y delicada, que algún barroco calificaría de satánico. Portishead siglo XX, convertidos en Portishead siglo XXI, derrocan el método creativo, y en su lugar, se abrazan a la muerte de sus propios paradigmas.

Third lleva la reinvención a un nivel absoluto, trazando abismos entre cada melodia: del enigmático y lo-fi opus en Silence, a la meticulosa tempestad de Threads, los vocales infinitos de Beth estallan en registros inusuales, revistiéndose por igual de Kraftwerk, Nick Drake o la misma Liz Fraser. El hueco escenario da cabida a una esperanza relativa (The Rip), la angustia progresiva (We Carry On), un free-jazz desolador (Magic Doors), los stacattos matemáticos (Nylon Smile, Plastic), y un potente himno apocalíptico (Machine Gun...). Los histriones se enjugan el rostro, y en monólogos surrealistas recuperan aquello que el tiempo y el polvo les arrebató. El telón se cierra sin mediaciones, y la voz sangrante calla, quizas para siempre, quizas veinte años, quizas lo suficiente antes de que la triada regrese timidamente, ya no como genios, sino cual dioses o monstruos.

tracklist:

01. Silence

02. Hunter

03. Nylon Smile

04. The Rip

05. Plastic

06. We Carry On

07. Deep Water

08. Machine Gun

09. Small

10. Magic Doors

11. Threads

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Cinco semanas de café internet, dos procesadores quemados, un torpe intento de suicidio y ocho cuerdas de violín despues... Regreso a mis andadas con el disco perfecto, con la canción mas sorprendente que jamás haya escuchado... Machine Gun abre los cielos y quema el corazón. Beth es alimento sagrado para el oido. Live it... nuevamente.

The Downward Spiral // Nine Inch Nails

2009-09-09T02:08:00.004-05:00

[letras | caratula | 320 kbps | 136 mb]

"You didn't hurt me,

Nothing can stop me now"

La vida es una mierda, y definitivamente no hace falta que yo, uno de tantos suicidas potenciales, lo afirme. Dentro de cada uno, bajo la cascara de american-damnass y optimismo de cuarta, incluso el falso suprarrealismo, existe la certeza de que, al ser carne y hueso, estamos condenados a una existencia forzada a tener los pies en la tierra, los ojos debajo y los labios ocupados en palabrería reciproca, a ser un elemento mas de este ensayado brave new world que nunca se completa.

Respiramos, lloramos, comemos y follamos con la lucidez necesaria digna de una persona como tal, pero en una pequeñísima parte de nuestro ser, esa que llaman criminal y donde Satanas se lo pasa en grande, no somos sino ingenuos animales arrojados sobre dos patas a existir sin entender todas las reglas. Pocos se atreven a encontrar ese anima primitiva, y es un idiota afortunado aquel que se lo adueña y le deja destrozar su disfraz de hombre alfa. En este punto, puedes ser una suerte de Charles Manson politicamente incorrecto, o escucharte como Nine Inch Nails.

Trent Reznor es el cerebro, corazón y cadaver del proyecto mas contestatario en el mainstream de las ultimas décadas. Graduado como ingeniero en computación (WTF?), y bajo el prototipo del chico solitario sin mujer, con una mente enfermiza e irrefrenable que Pinky envidiaría, su futuro quedó sellado con clavos de nueve pulgadas en Pretty Hate Machine (1989), nombre soberbio y magnifico para una grabación tibia y dubitativa, empero lo bastante esmerada para ofrecer números sangrientos y tan elegantes como Head Like A Hole o Sin. No seria sino 5 años después, tras el logradísimo Broken EP, que Trent y sus demonios vomitarían el trabajo decisivo en su carrera, The Downward Spiral (1994).

Considerado tanto el mejor LP de Nine Inch Nails como un magnus opus de la musica electrónica ( y vaya electrónica...), la tesis de The Downward Spiral es la decadencia de un sujeto anonimo, desde el reconocimiento de su propia miseria hasta el climático suicidio que Hollywood no pudó robar. Pero, aun mas que un disco conceptual, The Downward es una exploración a los recovecos mas lovecrafnianos, pervertidos y crueles del individuo. Quizas en un sentido muy literal y sobreactuado, pero hacia falta que Reznor atacase con sus riffs cabreados y su inagotable obsesión por las maquinas de ritmos, para que una época que todavia lloraba en su Heart-Shaped Box desnudara el verdadero rostro de un mundo que es todo menos gentil.

Desde el primer segundo, Reznor se descubre como un Hamlet en su propia tragedia: se escucha teatral y asfixiante, como si el sonido prefabricado a sus espaldas no fuese sino una extension musical de su propio sufrimiento. No hay pasión shakespeariana en sus vocales desgañitadas, sino una introspección que seduce, rasguña y solloza.

Cual Virgilio posmoderno, te arrastra circulo a circulo, track por track. Mr. Self Destruct es el prologo a un trayecto insoportable y dantesco. Sin miramentos, sin ganchos románticos, se lanza a las guitarras enérgicas y tormentosas, abriendo una herida que no volvera a cerrarse. En Heresy, Nietzche se alza de su tumba para anunciar “your god is dead and no one cares”, y sin cederte un respiro sigue la marcial y corrosiva March Of The Pigs. Los cielos se abren, la carne arde al influjo de una bateria disonante y metalera, y un piano coqueto cede paso a la erotica, sádica y monumental Closer: un Trent exquisito te suelta “i want to fuck you like an animal” y te dejas caer en sus brazos de Morfeo sexual.

Ritmos reptantes y masturbatorios te arropan en un paroxismo carnal. La anagnórisis llega en The Becoming: multitudes rugiendo por un alma desangelada, un piano insólito mezclándose con el explosivo Big Man With A Gun, obertura al requiem plasmado en la segunda mitad del disco, con puntos altísimos como I Do Not Want This o Eraser, en conjunto un neto prefacio para la sucia y poética Hurt, punto final a las lineas que todos los vivos no se atreven a escribir.

tracklist:

01. Mr. Self Destruct

02. Piggy

03. Heresy

04. March Of The Pigs

05. Closer

06. Ruiner

07. The Becoming

08. I Do Not Want This

09. Big Man With A Gun

10. A Warm Place

11. Eraser

12. Reptile

13. The Downward Spiral

14. Hurt

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Regreso de mi iluminación espiritual (lease maratón personal de The Simpsons) follando como una bestia al ritmo de un album tan erótico como agresivo. Year Zero es mi favorito, pero Spiral es EL albúm. Live it.

Loved // Cranes

2009-09-02T01:36:00.005-05:00

[letras | caratula | 256 kbps | 92 mb]

El tipo derechista-extremo-pseudo-culto cuelga imitaciones de Rembrandt que no entiende, compra a Vivaldi en mayoreo y guarda a Jack Dawson en su corazón. El tipo younger-alternativo-bohemio tiene a Nietzche y Lou Reed sobre un pedestal, no odia demasiado a Adolf Hitler y, con el valor suficiente, declara a Lady Gaga como gothic-pop. La belleza es un concepto imposible y discordante, invariablemente definido por el placer y plenitud encontrado en un trabajo, no necesariamente artístico.

Nacida en la mente de Jim Shaw y las vocales infernales de Alison Shaw, erguida en los dulcísimos cimientos construidos por Cocteau Twins, Cranes es el sincretismo entre los preceptos politicamente correctos y la ideologia mas descabellada sobre la belleza. De esas agrupaciones que, a paso lento y seguro, recogen vestigios de luz silenciosa entre los escombros voluntarios, y los adueñan para su inesperada y malagradecida gloria.

Envueltos en un onírico dream pop, arropados en un shoegaze arenoso y brutal, derrumbando las estructuras convencionales de un pop impensable, bebiendo de My Bloody Valentine y jugueteando con los cavernosos ecos de Joy Division... Cranes escapó a toda definición certera, convirtiendo al cuarteto en el combo perfecto para una generación sedienta de reinventarse, bastante más inteligente que en el siglo XXI. Si bien la sombra de Liz Fraser y compañía los arrumbó en un cierto anonimato que ni siquiera Robert Smith (en sus buenos años) consiguió superar, se han hecho con una trayectoria de casi 20 años, pocos tropiezos y bastantes elogios como para que el anodino Cranes (2008) sea una placa agradable y costumbrista.

Pero, nadie lo negara, el Cranes que ha dejado huella quedó en los noventa, en una triada de discos que todo ser vivo debe escuchar para sentirse vivo: el gótico Wings Of Joy (1991), el armonioso Forever (1993), y el que hoy nos ocupa, el industrial y atmosférico Loved (1994).

Lo bello es subjetivo. Cranes es subjetivo. Loved es, por tanto, hermoso en su fondo y escalofriante en su forma. Su belleza se deshace de toda atadura, no hay lugar para el sentimentalismo de cabecera o las escuchas aficionadas. Shining Road ataca como gracia de Ennio Morricone, Lillies se antoja aterradora con su estructura amorfa y sus ritmos abrasivos, Beautiful Friend es un torrente de lagrimas entre guitarras vintage, Paris And Rome es una pequeña épica en la tradición de los mejores crescendos de la historia. Cranes llueve sobre ti como gotas de sangre, como hielo nocturno, las ensoñaciones y los amores innombrables son descubiertos dentro de un laberinto gutural donde Asterión canta con voz de muñeca, de silfo, de súcubo.

Porque Alison Shaw es a Cranes lo que Beth Gibbons o la mismísima Fraser son a sus respectivos proyectos; un irremediable juego donde las vocales se enamoran de la musica, y la musica se enamora de las vocales. Alison no necesita de cantos jeroglíficos o letras torturadas: sus números líricos son simplistas, rayanos en lo mediocre (sobran los “in your eyes” y los “try to be strong”). Alison puede convertir un “te amo” en fuego y osamentas, emitir tal emoción y fuerza vital que no puedes sino rendirte a la provocación sensorial, dejar que el humo y las estrellas te acunen en éxtasis, en placer, en plenitud...

tracklist:

01. Shining Road

02. Pale Blue Sky

03. Rêverie

04. Lillies

05. Are You Gone?

06. Loved

07. Beautiful Friend

08. Bewildered

09. Come This Far

10. Paris And Rome

11. In This Night

12. Shining Road [Brauer Mix]

13. Paris And Rome [Flood Mix]

14. Lillies [Flood Mix]

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Varios dias sin postear, los estragos de una resaca, una playera de A Clockwork Orange nuevecita sobre los hombros y un album que necesitaba para encontrarme de nuevo. No, no lo disfruten. Live it.

...siete dias, y no he muerto

2009-08-28T01:55:00.008-05:00

Comforting Sounds cumple una semana.

Siete dias (chupame esta, Samara) de posts diarios que me quiebran la cabeza, de HTML hecho mierda, de tardes lluviosas, de risas y de lagrimas (amen.)

OK, no es digno de medalla, pero si consideramos que soy el no-tan-peor blogger del mundo, es como si mi hijo deforme cumpliese dos años, con todos los dedos, vacunas correctas y ningún trauma emocional digno de Oprah...

A los visitantes, a los bloggers que me han linkeado,

a Gregory House y Cartman, gracias.

Si, no tiene nada que ver, pero es Tori y otra de sus obras maestras...

Fuck, al susurrar "made my own pretty hate machine"

podría caerme una lluvia de langostas y morir feliz.

The Dreaming // Kate Bush

2009-08-28T01:09:00.011-05:00

[letras | caratula | 256 kbps | 91 mb]

"Mother, where are the angels?

I'm scared of the changes..."

Los 80s iniciaron de manera vertiginosa e incomprensible. John Lennon, cual nuevo Vivaldi, con una bala en la cabeza. Thriller sacudia las caderas y partes íntimas de todo el mundo. A la luz de las discos, Dancing Queen. En la sombra, los trasnochados susurraban Bela Lugosi's Dead (“undead, undead...”). Depeche Mode como mesías, Phil Collins... era Phil Collins. Deborah Harry nos rompía el corazón de cristal, y Rozz Williams comenzaba a sollozar. En todas sus vertientes posibles, la musica era un amasijo de posibilidades incalculables, géneros mutando en imposibles proyectos que pasarían a la historia, llenándose oídos y bolsillos en proporciones idénticas.

A un lado de todos, estaba Kate Bush.

Joven inglesa y campirana, sin dejo alguno de alienada y con sonrisa de calendario, con un piano en la sala y un cosmos perturbador en la cabeza. Apadrinada por David Gilmour y Alan Parsons Project, no pasaba de los 19 cuando su album The Kick Inside (1976) entraba en la escena con su voz de sirena, su piano edulcorado, Heatchliff, Jesús e instrumentos de nombres imposibles. Afortunado debut de ritmos adorables y éxitos a la carte, afirmando la imagen inocentona y frágil que esconderia a una de las más subestimadas y perversas prodigios que se haya conocido.

Después, llegó el insufrible Lionheart (1976) (lo mejor es la caratula, con una Kate gatona en traje de tigresa), y en 1980 Never For Ever, gloriosa combinación de maquinas de ritmo, cajitas musicales y cuentos de Beatrix Kiddos romanticas y holocaustos nucleares. Nadie alcanzaba todavia a asimilar el inexplicable pero adorable trabajo de Kate, nadie era capaz todavia de comprender la magnitud de su ingenio. Nadie estaba preparado para el siguiente golpe de la musa.

Lanzado en 1982, producido a sus alegres 23, The Dreaming fue un acojonante enfant terrible que desconcertó a critica y publico. Un album denso, sombrio y aterrador, tan intelectual como pesimista, un carrusel de locura desenfrenada encarnando sus multiples facetas. Ya antes se había desvivido con letras complejas y vanguardistas, pero en The Dreaming cada canción parece una novela inquietante, meditada y madura. Sat In Your Lap es una enérgica exploración a las mundanas obsesiones humanas, Leave It Open invita a desnudar el inconsciente, All The Love desprende el anima de los cuerpos insaciables, Get Out Of My House recobra la escalofriante crueldad de The Shining...

Toques de rock gótico sobre capas de folk agridulce, guitarras furiosas jugueteando con mágicos arreglos de cuerdas y cantos tribales, teclados que nada envidian al mejor prog-rock, loops que transforman sus poderosas vocales en arrullos y rugidos guturales. Kate cual hechicera, revolotea en los senderos de la experimentación que tal vez solo su contemporánea Laurie Anderson podia equiparar... Después llegaría el legendario Hounds Of Love, mucho mas arrebatado y luminoso, y The Dreaming seria recordado solo como el excéntrico desfase de la autora mas curiosa e infravalorada de la década.

Hoy, buscando porno en la PC (por motivos netamente tecnicos), reencontre esta joya. No lo escuchaba desde la breve época en que la Bush se convirtió en mi obsesion. Tan grande, que un post es lo menos que merece. Enjoy.

tracklist:
01. Sat In Your Lap
02. There Goes A Tenner
03. Pull Out The Pin
04. Suspended In Gaffa
05. Leave It Open
06. The Dreaming
07. Night Of The Swallow
08. All The Love
09. Houdini
10. Get Out Of My House

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Laced/Unlaced // Emilie Autumn

2009-08-27T00:15:00.003-05:00

El titulo de la entrada habla por si mismo. Podría ahorrarme retahílas, guardarme descalabros, pero la dama que hoy nos ocupa se merece rios de tinta (o bytes, según el caso). Y de cualquier forma, el nombre de Emilie Autumn todavia sigue permeado en el insoportable cobijo del underground, sitio que ha intentado ser quebrado pedazo a pedazo por esta sexy california-girl de cabello estrafalario y voz de femme fatale.

Tipica historia de mujer-compositora-radical-anarchpunk: infancia promedio; familia moderada; intereses musicales tempranos e inquietantes; look fetichista; escuela de musica; teenage hustling; look fetichista renovado; violación traumática; expulsion de escuela; independencia... Nada que escape a lo meramente anecdótico. Acaso su colaboración con Courtney “starfucker” Love, pero pocos son quienes la han tomado muy en serio.

¿So? La magia de Emilie radica en su musica, en los vibrattos de sus inseparables violines, en la descarnada belleza de sus canciones. Transitando del feérico jazz cabaretero de Enchant (2003) a la furia electrónica-industrial-neoclásica del magnifico Opheliac (2006) con sorprendente naturalidad, su estilo coge los dos extremos del Arte, el mas siniestro y el mas purista, en una composición donde clavicordios, sintetizadores, violas y beats se abrazan a una propuesta visual exquisita que ninguna madre moderna aprobaría con buenos ojos.

Si el niño-bonito Alexander Rybak es un prodigio de la musica pop, la señorita Otoño (yeah) supera por mucho los estándares del generalizado como Dark. Acaso su trabajo sea menor que el realizado por un, digamos, Philippe Fichot, pero hace patente una esmerada educación, imprimiendo su sello personal a trabajos de Leclair y Bach con mas fortuna que otros interpretes sanamente reconocidos.

Con tres LP a cuestas, una compilación de rarezas y hordas de admiradores imitándole infructuosamente hasta los dientes, Laced/Unlaced (2007) es un album doble, completamente instrumental, que desenvuelve la vorágine emocional desatada en el mutismo propio y la pasión exacerbada de sus cuerdas.

Laced rescata las grabaciones de su debut On A Day..., agregando cinco bonus de presentaciones en vivo (Queen, Vivaldi y un montón de gothic-lolitas en el mismo concierto...). Lo dicho, Autumn deposita su estricto entrenamiento en el romanticismo y la gala de composiciones dignas de una orquesta anticuada y no una niña freaky. Su soberbia interpretación de La Folia hace que Corelli se revuelque en su tumba, y Willow, si bien no lo mas destacado de su repertorio, es un atractivo preludio para la monstruosa creadora que arribaria años después.

Unlaced es la cumbre del victorian-industrial fundado por Emilie. El sentimentalismo de sus alientos barrocos cede a la locura exacta, impetuosa, el poder casi erótico de su violin eléctrico surcando ocho melodias preciosistas y sucias, que culminan en Face The Wall, un solo de 7 minutos, insoportable, melodioso y psicótico, dulce y sollozante, paráfrasis de todo aquello que una tal Emilie Autumn puede significar.

tracklist Laced:

01. La Folia

02. Recercada

03. Largo

04. Allegro

05. Adagio

06. Tambourin

07. Willow

08. Revelry

09. On A Day...

10 - 15. Bonus Mistery Tracks

tracklist Unlaced:

01. Unlaced

02. Manic Depression

03. Leech Jar

04. A Strange Device

05. A Cure?

06. Syringe

07. Cold

08. Face The Wall

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P.D: Me he convertido en colaborador de Future Is Lost (clap, clap), uno de mis blogs favoritos y, a mi parecer, de los mas respetados y cuidados en la escena dark. Quiero agradecer a Open_Mind por aceptarme, a Dios por ignorarme y a Tom Hanks: sin el, esto no hubiese sido posible (okey...)

FUTURE IS LOST

Fairytales // Alexander Rybak

2009-08-25T23:43:00.005-05:00

[letras | caratula | 320 kbps | 91 mb]

OK, ignoren la imagen. No pude resistirme a postear este album...

Que las visitas (sic) al blog no se vayan a cero por el niño-bonito previamente expuesto.

Tal y como la caratula ilustra, el tipo se llama Alexander Rybak. Y si, es violinista. Facilmente podría ser uno de tantos don-nadies con un talento mediano y cara de angelito de capilla como pululan en el mundo. Sin embargo, este don-nadie ganó el Eurovision Song Contest 2009 ("WTF?" diríjase a la Wiki), y a lo grande.

Rompiendo el record de puntuación en 50 años (387 puntos...), aplastó con coqueta facilidad a otros competidores mucho más famosos (¿o sere el único que conocía a Sakis Rouvas antes de lucir como el Chayanne griego?), rentables y (sinceramente) pretenciosos. Y es que Rybak ganó con una brillante combinación de cantante sexy, carisma radiante, sonrisa Trident, violin al hombro y una canción tan pegajosa e infantil como Fairytale, cuyos alientos folk no parecen adecuados para una competencia internacional de este calibre.

Que nadie se engañe: sera el guapito de temporada, pero sabe lo que hace. Su estilo se antoja ortodoxo y labrado en el clasicismo europeo, pero tan pulido y personal que, después de unas pocas escuchas, resulta inconfundible. Pocos suben a un escenario de tales magnitudes con una técnica estudiada, y Rybak destacó, a mi parecer, tras el microfono mas que en la pantalla.

Evidentemente, no pasarían minutos antes de que el chico comenzase a firmar autógrafos y besar traseros, y su album debut, Fairytales (vaya estrategia...) salió al mercado acompañado del inevitable "¡COMO LO VIO EN TV!". Pero, si ante las camaras no fue tan popstar como debería, en el estudio se sacó de la manga una colección de canciones sencillas, con letras elaboradas pero modestas sobre el amor, el desamor, y toda esa basura amable. Su instrumentación modernista y soft tiene tanto del optimismo de Arcade Fire como de un Patrick Wolf mucho mas light, y se da tiempo para piezas mas atrevidas, como Kiss And Tell o 13 Horses.

A fin de cuentas, un disco agradable y facilón, que no deja de ser el apropiado debut para una estrella que se niega a serlo... o eso espero, para dejar de sentirme culpable por repetir una y otra vez "i'm in love with a fairytale!!!" por las calles, como cupído empastillado.

tracklist:

01. Roll With The Wind

02. Fairytale

03. Dolphin

04. Kiss And Tell

05. Funny Little World

06. If You Were Gone

07. Abandoned

08. 13 Horses

09. Song From A Secret Garden

10. 500 Miles [Bonus Track]

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(¿Que nunca se cambia de ropa?)

Shot In The Back Of The Head // Moby

2009-08-24T23:33:00.005-05:00

Como pocos, el señor Richard Melville (bendito sea que se hace llamar Moby...) es un artista en el sentido mas puro de la palabra. Mas aun, no existe nadie dentro de la escena electrónica cuyo trabajo se enclave en el mainstream con una profunda y honesta conciencia artística de la misma forma que el tatara-algo del autor de Moby Dick.

Desprovisto de la grandilocuencia y pretension de otros creadores como Aphex Twin (friki megalómano) o Jean-Michel Jarre (ya paso Equinoxe, señor...), cada album de Moby es un autentico viaje interior, poblado de nostalgia, esperanza, desesperación, trances que resurgen sonrisas espontaneas, recuerdos insólitos, paisajes que se difuminan al ritmo de sus blues etéreos.

Aunque, siendo honestos, desde Play sus trabajos han escapado a la pureza e ingenuidad que convirtieron a Porcelain o Natural Blues en clásicos, adentrándose en sonidos mas familiares y, hasta cierto modo, rentables. No era extraño que, después de incluirse en recopilaciones de New Age y ambient, Moby dominara las discos y antros del mundo con un album tan prostituido (pero hermoso) como Hotel.

El año pasado, tras deleitarnos con el exquisito (y también muy ramero) Last Night, sus beats glamourosos y el extraño videoclip para Disco Lies, el Little Idiot de la musica se encerró en su habitación y, como adolescente con revista de adultos, experimentó una especie de iluminación (saben a lo que me refiero), y firmó una nueva, pequeña y complicada obra.

Impregnado del espíritu y filosofia del rebelde y tétrico David Lynch ( "in heaven..."), Wait For Me (2009) es un disco tan personal como hermoso. La suavidad y lounge de Play se entretejen con extrañas y sombrias texturas que parecen heredadas de los films del visionario director. Otro viaje donde Moby entra en lo mas profundo de la conciencia, con el único proposito de arrancarnos del suelo y devolvernos después de poner [stop].

Ahora... si esperaban el disco... april fool's day, guys!!! En realidad, dejare un aperitivo bastante apetitoso, y que por si solo vale por toda la discografia: Shot In The Back Of The Head.

Hace tanto que no me pegaba asi una canción instrumental... Extraña oda de 3 minutos que David Lynch, again, aderezo con un video que... bueno, ¡¡¡es David Lynch, damn...!!! Chupate esta, Telehit...

El album completo... coming soon. Mientras, canten... "tururururu, turururu-ru..."

P.D: Ser un artista nato no te quita lo sonofbitch... ¿60 dolares un boleto? WTF? ¿San Miguel en el bajo? ¿o la Callas le hara de telonera?

From The Chroirgirl Hotel // Tori Amos

2009-08-23T21:00:00.007-05:00

[letras | caratula | 320 kbps | 77 mb]

Tori Amos: reina de las hadas, bruja americana, mother-i-like-fuck, Satanas a dueto con los Angeles, fantasma glacial, un piano a las ordenes de, quizas, la mejor compositora en los últimos 20 años, la pianista que espere en el infinito, y la mujer que exorcisa su anima en tracklists eternos. Si, Tori “no-soy-una-puta-fácil” Amos es lo mas grande que este mundo ha recibido desde el pan de caja y antes de los cuadernos Distroller.

En 1998, su cuento de hadas (marido perfecto, carrera en ascenso, fantasmas empolvados) se hizo pedazos con la perdida de su primer hijo. Con la memoria intacta y las heridas aun abiertas, Tori entro al estudio de grabación para un nuevo album. El resultado fue From The Choirgirl Hotel (1998), una obra que supero incluso sus propias expectativas, y de paso, libero su alma aferrada al dolor.

Mientras sus trabajos anteriores se inclinaban a un estilo barroco y mas bien minimalista, Amos acompañada de su piano y uno que otro suspiro de cuerdas, en The Choirgirl dominan el rock alternativo, el dance, la electrónica, una pizca de shoegaze, estructuras experimentales dignas de Frank Zappa. Doce canciones homogéneas construyendo un paisaje cristalino, casi acuático, lleno de ecos y reverbs, distorsiones que se pierden en la oscuridad indescifrable, donde igual reposan los horrores mas primitivos como el silencio mas confortable.

Tori habla del dolor y la redención, de cocaína, pájaros y semen. Grita a las catedrales, a los principes de la oscuridad, a las tribus, a Pandora y a los amores estúpidos. Se llama señorita, cobarde, puta, soñadora y mami de Playboy. Probablemente ningún album alcance tal nivel de catarsis. Se desliza en suaves loops que explotan en un infierno matemático, recoge baladas adorables, arranques dignos del punk mas escabroso, plegarias a la soledad y a la absolución. Raspberry Swirl es coqueta y escandalosa, i i e e e es un poema a la desesperanza, She's Your Cocaine parece de una Janis Joplin contemporánea, Playboy Mommy dibuja paraísos imposibles, y Spark... Spark es LA canción, la mas hermosa y terrible jamas compuesta.

Podría seguir escribiendo por horas sobre The Choirgirl (según iTunes, lo he escuchado cerca de 180 veces), pero mejor juzga por ti mismo. Apaga la luz, arropate, y dejate arrastrar al hotel (en el sentido elegante, son of...)

tracklist:

01. Spark

02. Cruel

03. Black Dove (January)

04. Rasberry Swirl

05. Jackie's Strengh

06. i i e e e

07. Liquid Diamonds

08. She's Your Cocaine

09. Northern Lad

10. Hotel

11. Playboy Mommy

12. Pandora's Aquarium

[DESCARGAR]

Por cierto, el artwork fue realizado por Katerina Jebb, utilizando un scanner industrial donde Tori podia pasar hasta 10 minutos para una sola fotografia. Y yo que me cago por mi multifuncional HP...

The Man Who Sold The World // David Bowie

2009-08-22T23:08:00.012-05:00

Mmm... aclaremos algo: David Bowie es un genio, un intelectual, una diosa glam como ninguna (como olvidar ese recital suyo enfundado en un vestido que le envidiaria Divine)... Cierto que en los 70s fue mas grande que Dios (¡que va! Ya dios quisiera hacer de rockstar interplanetario y no verse ridículo), y después de los primeros acordes de Five Years el mundo ya no fue la misma mierda.

Peeero... no me gusta tanto como debería. Su concepto visual, su imagen de drag-queen recelosa, algo en sus riffs no terminan de acomodarme. Tal vez por esto merezca ser crucificado al revés y ultrajado por Achmed, pero a excepción de algunas rolas, y el Ziggy Stardust enterito (escúchese en plan de hongos) el resto de su trabajo no me llama.

De cualquier forma, Bowie rules, y la maxima evidencia es que no puedo encontrar ningún parámetro donde colocarlo o individuo que se le asemeje (Klaus Nomi quizas, pero era mas emo).

La segunda prueba es The Man Who Sold The World, del album... The Man Who-bla-bla. Exquisita, delirante, inteligente. "We never lose control..."

El "do-re-mi-fa-sol-la-si-do" tiene un aliento cuasi-sexual... Si me follara a una chica yuppi sobre un escenario teatral, este debería ser el soundtrack. Lastima que Kubrick fuera tan mamón...

We passed upon the stair,

We spoke of was and when

Although I wasnt there,

He said I was his friend

Which came as some surprise

I spoke into his eyes

I thought you died alone,

A long long time ago

Oh no, not me

I never lost control

Youre face to face

With the man who sold the world

I laughed and shook his hand,

And made my way back home

I searched for form and land,

For years and years I roamed

I gazed a gazely stare

At all the millions here

We must have died along,

A long long time ago

Who knows? not me

We never lost control

Youre face to face

With the man who sold the world